Werner Herzog eats his shoe (1980)

Un chiste de trascendencia preocupante y conmovedora, un impulso desde la biografía a la necesidad de hacer cine y contribuir a la línea de la cultura que se compone desde el intersticio y la marginalidad intelectual, fuera de los orgullos de las grandes distribuciones y productoras, que han privatizado su relación con el bombo y el platillo, un espacio de reflexión acerca de la tarea cultural de la imagen y de la necesidad de componer una autonomía también estética que se desprenda del torrente oficialista, no por baladí menos aplastante o tóxico.

La anécdota de este documental es sencilla: Werner Herzog apuesta con Errol Morris, el entonces aspirante a director, lo siguiente: "Si tú logras terminar tu película, yo me como mi zapato". La película en cuestión se llama Gates of Heaven (http://en.wikipedia.org/wiki/Gates_of_Heaven) y se terminó en 1978.

Luego entonces, a lo dicho: El director alemán, famoso por su búsqueda precisa y constante de las regiones mal iluminadas y las pasiones marginales del hombre, célebre entre los seguidores del cine de culto, de arte y de autor, siempre a la búsqueda de la imagen de la diferencia, que narre el otro ámbito de la realidad, cumplió su palabra, no sin llamar a los medios periodísticos y aprovechar la ocasión para reflexionar.

En el documental vemos algo más que la cocción de un zapato compuesto con materiales resistentes nada apetitosos, algo más que una olla exprés con aceite, cebollas y alguno que otro ingrediente suicida que permita dar sazón a ese platillo espantoso: vemos un compromiso con la creación artística y con la inteligencia de oposición, risas, tomas de parodia que se convertirán en un espectáculo, una fantochada más o menos irresponsable que luego es tomada en serio y vuelta símbolo, apoyo espiritual de alta mucosidad para un aprendiz de mago en la sociedad embotada y obediente.

Este trabajo fue dirigido por Les Blank, prolífico documentalista nacido en Florida. Es testimonio de buen humor, de inteligencia, de ligereza de ánimo y de necesaria humildad propositiva.

(Por alguna razón diabólica, no he podido agregar la versión completa con subtítulos en español. Pondré, pues, el link desde los comentarios. Salucita).

Encuentros (2012)

Según entiendo, Encuentros llega hasta nosotros como resultado de una tarea escolar (pero esto es pura exageración del reseñista, así que no deben creerme) de la licenciatura de Urbanismo, en la UNAM. 

Sus firmantes, mexicanos y alemanes de intercambio, son Edgar Castellanos Contreras, Ana Karen Cervantes Ruiz, Michael Dieminger, Maxie Jost, Aldo Rodríguez Bustamante y Valeria Torres Guzmán.

Historias rápidas, breves y contundentes de la Ciudad de México. Ligera canción de amor con imágenes de Bellas Artes, la Torre Latinoamericana, la Glorieta de Insurgentes, y los chundos, las viejitas, los mocosos chifladores, las seños, las voces extraviadas en off con opiniones venidas del exterior cultural. Panoramas donde no existe el adorno escenográfico ni actoral: la cosa dándose por sí misma en su elocuencia de fealdades y bellezas simultáneas, en su mero colorido natural que reluce aun en los días nublados que nos adornan últimamente; la cosa sucia, atolondrada, engentada, magnífica, cucha, fina, con esos muros de plástico naranjas móviles que implementa la policía, con bolsas de plástico al aire cerca de la mezcla de cemento y la operación inconclusa, con los puentes raros de Tlatelolco, las ensoñaciones del niño anónimo, los lentes obreros en el disfraz del punk y los protagonistas diarios de una convulsión marciana e interminable.

Una pequeña canción de amor (4:34 minutos de duración) sobre la capital de México, y sus dobleces, sus gustos de mercado multicolor, sus monumentos chafas, su desarraigo, su subdesarrollo flagrante que compone la mosaiquiza voluntaria e involuntaria. 

Bailantes, viandantes, taqueros, vendedores, amigos, muros de máscaras de lucha libre en la reactualización con plástico del lúgubre gusto estético nahua: Gatitos de la amistad y la buena intención, más bien chistosos, buena onda, ligeros y naturales como la mirada del señor que se cortó el pelito expresamente para participar en el filme. 

Una organización de entrevistas e informaciones que pretende la bondad, un dibujo afinado hacia la empatía y el anhelo de equilibrio. 

Simiocracia (2012)

La animación haciendo tareas de difusión intelectual: un puñado de caricaturas queriendo explicar a los niños y micos de España las causas flagrantes de la situación económica que atraviesan: un rezago lamentable de dimensiones trágicas que golpea a la población común de aquella nación y que la coloca en una posición de subordinación ante la Unión Europea, otro terreno de dificultad.

Una obra de microcine de intenciones notorias y notables, que anuncia la publicación de un libro homónimo por editorial DeBolsillo. Definitivamente, un excelente ejemplo de las tareas de la sociedad que se organiza, productora no sólo de comentarios en Tuiter y Feisbuc, sino de conocimiento y críticas de fácil difusión e intercambio constante.

Señales del deber ser del interné, esa muñeca.

Aleix Saló, que por mis poderosas capacidades deductivas me suena a que es catalán, firma el video como su realizador.

Disfruten y piensen, simiócratas de mi corazón:

Touch the Sound: A Sound Journey with Evelyn Glennie (2004)

Thomas Riedelsheimer dirige este documental, Touch the Sound: A Sound Journey with Evelyn Glennie, en torno al talento de Evelyn Gennie, una percusionista escocesa de audaz arrojo artístico y una larga y reconocida carrera que incluye buen número de presentaciones mundiales y experimentos sonoros con diferentes materiales susceptibles de musicalizarse y musicalizar al entorno que los contiene.

De la misma pieza cinematográfica, cuyo original se alarga durante 99 minutos, el YouTube nos permite presentar este elocuente extracto que incluye la participación de Fred Frith, otro demonio de la investigación auditiva que ha hecho de su guitarra eléctrica una máquina de sonidos violentada y una herramienta de trabajo extendida hasta registros expresivos completamente inesperados y enérgicos.

Evelyn Glennie y Fred Frith conversan con la paciencia y la fragilidad en esta pequeña oración, cuyo escenario es una fábrica abandonada y un protagonista sonoro de infinita eficacia. Espacios abiertos, objetos envejecidos y materias corruptas colaboran desde la inmovilidad con la construcción de un discurso envolvente donde las puntas electrizantes son la guitarra de Frith y la marimba de concierto de Glennie.

Las tomas que captan el diálogo entre estos dos músicos aspiran a la elocuencia cinematográfica, quizás lográndolo en algunos puntos y, a nuestro gusto, delibitándose enormemente en su escape hacia un paisaje de playa y rocas golpeadas por el oleaje marino: gesto visual demasiado tendencioso como para resultar persuasivo.

Un aliento espiritual recorre este fragmento, que quiere ser la elevación y la infinitud, una tremenda porosidad sacudida que se abre y se construye en torno al sonido.

Es, por su energía, un ejemplo de microcine.

Oktapodi (2007)

La frenética historia de amor de dos pulpos que viven en la pecera de alguna pescadería del mundo. Están ahí para que un cliente esporádico decida comérselos, pero ellos no lo saben y cultivan el arte del amor en sus horas de paciencia e impaciencia. ¿Qué podrá el pesado ritmo de la realidad y su poética de los cuchillos y la utilidad contra el descaro vertiginoso del amor?

Este cortometraje fue dirigido por Julien Bocabeille, Francois-Xavier Chanioux, Olivier Delabarre, Thierry Marchand, Quentin Marmier y Edmund Mokhberi.

Fue nominado al Oscar de 2009 como mejor corto de animación, pero no consiguió la presea. 

Un saludo a las aventuras y a los seres elásticos del universo.

I'm Here ( 2010)

Después de trabajar como director de videos musicales de artistas como Fatboy Slim, Beastie Boys, The Chemical Brothers y una extensa lista más.... y después de haber realizado filmes extravagantes como Being John Malkovich,  el buen Spike Jonze realiza este cortometraje no hace menos de un año.

I'm Here es una historia de amor situada en un posible futuro cercano, donde los robots, androides y humanos conviven cotidianamente. En este posible futuro cabe la posibilidad de que las máquinas puedan sentir y por supuesto enamorarse. ¿Qué sucede cuando se enamora un androide? ¿cómo será el amor entre circuitos?

Disfruten este corto futurístico dividido en tres partes, que cuenta con una excelente historia, una fotografía impecable y un exquisito gusto musical . Saludos humanos !

Declare independence (2007)

Para los fanáticos es bien sabida la relación artística que existe entre Björk y Michel Gondry, una cantante islandesa provocativa y un cineasta de exquisito arte visual, respectivamente.

Probablemente trabajos artísticos como estos no necesitan mayor difusión, un blogero apoyo más, en tanto que se acompañan de por sí del gran enramado de la mercadotecnia, que los distribuye con facilidad por el mundo, y giran conforme a las reglas de un mercado exitoso bien definido. De todos modos lo incluimos aquí porque el video, con o sin sus aplausos, funciona maravillosamente como una obra de ficción, como una composición cinematográfica rica en elementos de una evidente intención corrosiva.

La ironía os hará libres en un mundo moderno donde los poderes están bien repartidos y no pueden arrebatarse sin derramamiento de sangre ni confusión. La ironía, el recurso profundo de la sociedad civil, del individuo atomizado, contra la dominación teledirigida.

Declare independence es, definitivamente, una pieza de agresivo microcine que reorganiza la carcajada del arte en contra del poder, si bien en el circo de la realidad la relación entre ambos no admite maniqueísmos simplistas, resulta siempre ambigua y no sin frecuencia permite y hasta fomenta la participación del uno en el otro y viceversa. La carcajada del arte contra el poder, un arrojo insuficiente e imperfecto, pero de significativa elocuencia.

¿La intención es lo que cuenta? Para este contexto, casi sí. Sólo por esta vez y nunca más.

Mejor apoyar la existencia de una resistencia imperfecta a la ausencia definitiva de resistencia.
Björk, con su ganado y promovido acceso a las masas, a las listas de iTunes del mundo, ¿pondrá a reflexionar a su público contundentemente? ¿Un poquito de asco inoculado en nuestros dulces niños violetas y amarillos?

Esperemos que sí, desde la desfachatez y algo de bendita oposición.

Hell (2003)

Una pesadilla cinematográfica sin demasiados vinculos localizables con lo que llamamos "la realidad", ese paraíso lleno de bancos y semáforos. El filme, una ensoñación violenta que se presenta como una crónica intemporal de la psicopatía, el sufrimiento, el temor y el odio.

Se trata de un trabajo de no fácil digestión, el cual promovemos sin embargo como un asalto a la promoción mediática excesiva del simulado orden conveniente, que tiene a la falsa belleza sentada a la derecha del padre elegido democráticamente y a todo lo demás, cómodamente ubicado en el abismo incomprensible de las sombras prohibidas, cuya existencia se ha disimulado bien para el día del banquete. El Castillo, la burbuja a prueba de llagas y feos.

Reconocemos de este trabajo de microcine, principalmente, la fortuna de la composición artística (imagen y sonido en correspondencia hiriente, conformación de un contexto repleto de sombras y ambientes ruinosos que aumentan los gestos perturbadores del filme, etcétera) y su transmisión efectiva de estados anímicos disminuidos.

Psicópatas de plastilina y monstruos de vaga ternura, los protagonistas de esta historia sin narración, sin otro evento que la agonía.

La pieza va firmada por David Firth ("famoso" animador inglés que persigue en sus trabajos el retrato de la demencia, la angustia, la psicopatía, la depresión, el temor y el odio, y cuya estética laberíntica es emparentable en algunas de sus piezas con el mundo pesadillesco del cineasta norteamericano David Lynch) y Jimi Hollis.

Toda esta brutalidad, ¿nace en la mente de nuestro autor, maldito genio perturbado, o es la traducción de una gravedad presente en todos nuestros ambientes y movimientos? ¿Qué es este mundo donde cunden los odios oficiales y extraoficiales?

Hedgehog in the fog (El erizo en la niebla)

Este corto es una pequeña muestra de que las animaciones rusas son y serán siempre las mejores.

Basado en un cuento tradicional , este pequeño cortometraje nos cuenta la historia de un simpático erizo cuenta-estrellas y el día que se pierde entre la niebla, en las profundidades de un bosque donde todo parece desconocido y aterrador, pero también donde se puede encontrar a seres encantadores y bellos. 

En un contraste espléndido se desarolla esta historia, entre suspenso en la oscuridad y pasajes ensoñadores, entre criaturas temibles y seres amables, entre silencios y ruidos.

Esta animación fue ganadora de tres premios, dos de ellos en 1976 bajo la categoría de mejor corto de animación y en 2003 como la mejor animación de todos los tiempos.

Como dato fan Hayao Miyazaki, la mente creadora de El castillo vagabundo, Mi vecino totoro entre otras y cofundador de los estudios Ghibli , considera a este corto como su mejor pelicula animada.

Dirigida por Yuriy Norshteyn en 1975.

La Lotería (2011)

El collage de la calle mexicana. Otra vez la realidad urbana de la capital de México celebrándose en su propia brutalidad y elocuencia.

Este trabajo, del predilecto Antonio Cano (ni uno más, ¿lo juro?), concursó en theoneminutes (certamen de microcine celebrado en Holanda) para su edición de 2011.

¿Cuál es la dolorosa y extraña belleza de los vagabundos del planeta? La maldita capital vomitando a sus odiados.
¿Sólo aquí es posible la desorbitada elocuencia del árbol de navidad decorado con tanguitas amarillas y rojas? La nueva religión del kitsch espera a su redentor con gusto personal.

Los laberintos de la conmovedora fealdad. Los cinemáticos discursos del ruido. La poesía del polvo y las aglomeraciones de gente.

El juego en México, institución.