Thomas Riedelsheimer dirige este documental, Touch the Sound: A Sound Journey with Evelyn Glennie, en torno al talento de Evelyn Gennie, una percusionista escocesa de audaz arrojo artístico y una larga y reconocida carrera que incluye buen número de presentaciones mundiales y experimentos sonoros con diferentes materiales susceptibles de musicalizarse y musicalizar al entorno que los contiene.
De la misma pieza cinematográfica, cuyo original se alarga durante 99 minutos, el YouTube nos permite presentar este elocuente extracto que incluye la participación de Fred Frith, otro demonio de la investigación auditiva que ha hecho de su guitarra eléctrica una máquina de sonidos violentada y una herramienta de trabajo extendida hasta registros expresivos completamente inesperados y enérgicos.
Evelyn Glennie y Fred Frith conversan con la paciencia y la fragilidad en esta pequeña oración, cuyo escenario es una fábrica abandonada y un protagonista sonoro de infinita eficacia. Espacios abiertos, objetos envejecidos y materias corruptas colaboran desde la inmovilidad con la construcción de un discurso envolvente donde las puntas electrizantes son la guitarra de Frith y la marimba de concierto de Glennie.
Las tomas que captan el diálogo entre estos dos músicos aspiran a la elocuencia cinematográfica, quizás lográndolo en algunos puntos y, a nuestro gusto, delibitándose enormemente en su escape hacia un paisaje de playa y rocas golpeadas por el oleaje marino: gesto visual demasiado tendencioso como para resultar persuasivo.
Un aliento espiritual recorre este fragmento, que quiere ser la elevación y la infinitud, una tremenda porosidad sacudida que se abre y se construye en torno al sonido.
Es, por su energía, un ejemplo de microcine.
lunes, 29 de agosto de 2011
lunes, 1 de agosto de 2011
Oktapodi (2007)
La frenética historia de amor de dos pulpos que viven en la pecera de alguna pescadería del mundo. Están ahí para que un cliente esporádico decida comérselos, pero ellos no lo saben y cultivan el arte del amor en sus horas de paciencia e impaciencia. ¿Qué podrá el pesado ritmo de la realidad y su poética de los cuchillos y la utilidad contra el descaro vertiginoso del amor?
Este cortometraje fue dirigido por Julien Bocabeille, Francois-Xavier Chanioux, Olivier Delabarre, Thierry Marchand, Quentin Marmier y Edmund Mokhberi.
Fue nominado al Oscar de 2009 como mejor corto de animación, pero no consiguió la presea.
Un saludo a las aventuras y a los seres elásticos del universo.
martes, 12 de julio de 2011
I'm Here ( 2010)
Después de trabajar como director de videos musicales de artistas como Fatboy Slim, Beastie Boys, The Chemical Brothers y una extensa lista más.... y después de haber realizado filmes extravagantes como Being John Malkovich, el buen Spike Jonze realiza este cortometraje no hace menos de un año.
I'm Here es una historia de amor situada en un posible futuro cercano, donde los robots, androides y humanos conviven cotidianamente. En este posible futuro cabe la posibilidad de que las máquinas puedan sentir y por supuesto enamorarse. ¿Qué sucede cuando se enamora un androide? ¿cómo será el amor entre circuitos?
Disfruten este corto futurístico dividido en tres partes, que cuenta con una excelente historia, una fotografía impecable y un exquisito gusto musical . Saludos humanos !
I'm Here es una historia de amor situada en un posible futuro cercano, donde los robots, androides y humanos conviven cotidianamente. En este posible futuro cabe la posibilidad de que las máquinas puedan sentir y por supuesto enamorarse. ¿Qué sucede cuando se enamora un androide? ¿cómo será el amor entre circuitos?
Disfruten este corto futurístico dividido en tres partes, que cuenta con una excelente historia, una fotografía impecable y un exquisito gusto musical . Saludos humanos !
viernes, 8 de julio de 2011
Declare independence (2007)
Para los fanáticos es bien sabida la relación artística que existe entre Björk y Michel Gondry, una cantante islandesa provocativa y un cineasta de exquisito arte visual, respectivamente.
Probablemente trabajos artísticos como estos no necesitan mayor difusión, un blogero apoyo más, en tanto que se acompañan de por sí del gran enramado de la mercadotecnia, que los distribuye con facilidad por el mundo, y giran conforme a las reglas de un mercado exitoso bien definido. De todos modos lo incluimos aquí porque el video, con o sin sus aplausos, funciona maravillosamente como una obra de ficción, como una composición cinematográfica rica en elementos de una evidente intención corrosiva.
La ironía os hará libres en un mundo moderno donde los poderes están bien repartidos y no pueden arrebatarse sin derramamiento de sangre ni confusión. La ironía, el recurso profundo de la sociedad civil, del individuo atomizado, contra la dominación teledirigida.
Declare independence es, definitivamente, una pieza de agresivo microcine que reorganiza la carcajada del arte en contra del poder, si bien en el circo de la realidad la relación entre ambos no admite maniqueísmos simplistas, resulta siempre ambigua y no sin frecuencia permite y hasta fomenta la participación del uno en el otro y viceversa. La carcajada del arte contra el poder, un arrojo insuficiente e imperfecto, pero de significativa elocuencia.
¿La intención es lo que cuenta? Para este contexto, casi sí. Sólo por esta vez y nunca más.
Mejor apoyar la existencia de una resistencia imperfecta a la ausencia definitiva de resistencia.
Björk, con su ganado y promovido acceso a las masas, a las listas de iTunes del mundo, ¿pondrá a reflexionar a su público contundentemente? ¿Un poquito de asco inoculado en nuestros dulces niños violetas y amarillos?
Esperemos que sí, desde la desfachatez y algo de bendita oposición.
Probablemente trabajos artísticos como estos no necesitan mayor difusión, un blogero apoyo más, en tanto que se acompañan de por sí del gran enramado de la mercadotecnia, que los distribuye con facilidad por el mundo, y giran conforme a las reglas de un mercado exitoso bien definido. De todos modos lo incluimos aquí porque el video, con o sin sus aplausos, funciona maravillosamente como una obra de ficción, como una composición cinematográfica rica en elementos de una evidente intención corrosiva.
La ironía os hará libres en un mundo moderno donde los poderes están bien repartidos y no pueden arrebatarse sin derramamiento de sangre ni confusión. La ironía, el recurso profundo de la sociedad civil, del individuo atomizado, contra la dominación teledirigida.
Declare independence es, definitivamente, una pieza de agresivo microcine que reorganiza la carcajada del arte en contra del poder, si bien en el circo de la realidad la relación entre ambos no admite maniqueísmos simplistas, resulta siempre ambigua y no sin frecuencia permite y hasta fomenta la participación del uno en el otro y viceversa. La carcajada del arte contra el poder, un arrojo insuficiente e imperfecto, pero de significativa elocuencia.
¿La intención es lo que cuenta? Para este contexto, casi sí. Sólo por esta vez y nunca más.
Mejor apoyar la existencia de una resistencia imperfecta a la ausencia definitiva de resistencia.
Björk, con su ganado y promovido acceso a las masas, a las listas de iTunes del mundo, ¿pondrá a reflexionar a su público contundentemente? ¿Un poquito de asco inoculado en nuestros dulces niños violetas y amarillos?
Esperemos que sí, desde la desfachatez y algo de bendita oposición.
martes, 5 de julio de 2011
Hell (2003)
Una pesadilla cinematográfica sin demasiados vinculos localizables con lo que llamamos "la realidad", ese paraíso lleno de bancos y semáforos. El filme, una ensoñación violenta que se presenta como una crónica intemporal de la psicopatía, el sufrimiento, el temor y el odio.
Se trata de un trabajo de no fácil digestión, el cual promovemos sin embargo como un asalto a la promoción mediática excesiva del simulado orden conveniente, que tiene a la falsa belleza sentada a la derecha del padre elegido democráticamente y a todo lo demás, cómodamente ubicado en el abismo incomprensible de las sombras prohibidas, cuya existencia se ha disimulado bien para el día del banquete. El Castillo, la burbuja a prueba de llagas y feos.
Reconocemos de este trabajo de microcine, principalmente, la fortuna de la composición artística (imagen y sonido en correspondencia hiriente, conformación de un contexto repleto de sombras y ambientes ruinosos que aumentan los gestos perturbadores del filme, etcétera) y su transmisión efectiva de estados anímicos disminuidos.
Psicópatas de plastilina y monstruos de vaga ternura, los protagonistas de esta historia sin narración, sin otro evento que la agonía.
La pieza va firmada por David Firth ("famoso" animador inglés que persigue en sus trabajos el retrato de la demencia, la angustia, la psicopatía, la depresión, el temor y el odio, y cuya estética laberíntica es emparentable en algunas de sus piezas con el mundo pesadillesco del cineasta norteamericano David Lynch) y Jimi Hollis.
Toda esta brutalidad, ¿nace en la mente de nuestro autor, maldito genio perturbado, o es la traducción de una gravedad presente en todos nuestros ambientes y movimientos? ¿Qué es este mundo donde cunden los odios oficiales y extraoficiales?
Se trata de un trabajo de no fácil digestión, el cual promovemos sin embargo como un asalto a la promoción mediática excesiva del simulado orden conveniente, que tiene a la falsa belleza sentada a la derecha del padre elegido democráticamente y a todo lo demás, cómodamente ubicado en el abismo incomprensible de las sombras prohibidas, cuya existencia se ha disimulado bien para el día del banquete. El Castillo, la burbuja a prueba de llagas y feos.
Reconocemos de este trabajo de microcine, principalmente, la fortuna de la composición artística (imagen y sonido en correspondencia hiriente, conformación de un contexto repleto de sombras y ambientes ruinosos que aumentan los gestos perturbadores del filme, etcétera) y su transmisión efectiva de estados anímicos disminuidos.
Psicópatas de plastilina y monstruos de vaga ternura, los protagonistas de esta historia sin narración, sin otro evento que la agonía.
La pieza va firmada por David Firth ("famoso" animador inglés que persigue en sus trabajos el retrato de la demencia, la angustia, la psicopatía, la depresión, el temor y el odio, y cuya estética laberíntica es emparentable en algunas de sus piezas con el mundo pesadillesco del cineasta norteamericano David Lynch) y Jimi Hollis.
Toda esta brutalidad, ¿nace en la mente de nuestro autor, maldito genio perturbado, o es la traducción de una gravedad presente en todos nuestros ambientes y movimientos? ¿Qué es este mundo donde cunden los odios oficiales y extraoficiales?
jueves, 30 de junio de 2011
Hedgehog in the fog (El erizo en la niebla)
Este corto es una pequeña muestra de que las animaciones rusas son y serán siempre las mejores.
Dirigida por Yuriy Norshteyn en 1975.
Basado en un cuento tradicional , este pequeño cortometraje nos cuenta la historia de un simpático erizo cuenta-estrellas y el día que se pierde entre la niebla, en las profundidades de un bosque donde todo parece desconocido y aterrador, pero también donde se puede encontrar a seres encantadores y bellos.
En un contraste espléndido se desarolla esta historia, entre suspenso en la oscuridad y pasajes ensoñadores, entre criaturas temibles y seres amables, entre silencios y ruidos.
Esta animación fue ganadora de tres premios, dos de ellos en 1976 bajo la categoría de mejor corto de animación y en 2003 como la mejor animación de todos los tiempos.
Como dato fan Hayao Miyazaki, la mente creadora de El castillo vagabundo, Mi vecino totoro entre otras y cofundador de los estudios Ghibli , considera a este corto como su mejor pelicula animada.
Dirigida por Yuriy Norshteyn en 1975.
La Lotería (2011)
El collage de la calle mexicana. Otra vez la realidad urbana de la capital de México celebrándose en su propia brutalidad y elocuencia.
Este trabajo, del predilecto Antonio Cano (ni uno más, ¿lo juro?), concursó en theoneminutes (certamen de microcine celebrado en Holanda) para su edición de 2011.
¿Cuál es la dolorosa y extraña belleza de los vagabundos del planeta? La maldita capital vomitando a sus odiados.
¿Sólo aquí es posible la desorbitada elocuencia del árbol de navidad decorado con tanguitas amarillas y rojas? La nueva religión del kitsch espera a su redentor con gusto personal.
Los laberintos de la conmovedora fealdad. Los cinemáticos discursos del ruido. La poesía del polvo y las aglomeraciones de gente.
El juego en México, institución.
Este trabajo, del predilecto Antonio Cano (ni uno más, ¿lo juro?), concursó en theoneminutes (certamen de microcine celebrado en Holanda) para su edición de 2011.
¿Cuál es la dolorosa y extraña belleza de los vagabundos del planeta? La maldita capital vomitando a sus odiados.
¿Sólo aquí es posible la desorbitada elocuencia del árbol de navidad decorado con tanguitas amarillas y rojas? La nueva religión del kitsch espera a su redentor con gusto personal.
Los laberintos de la conmovedora fealdad. Los cinemáticos discursos del ruido. La poesía del polvo y las aglomeraciones de gente.
El juego en México, institución.
Crueldad (2009)
Una minificción cinematográfica de excelentes encuadres y dirección de arte, capaz de concederse el lujo narrativo de la resolución inesperada. La estética de la suciedad, las sombras, el grotesco, acude aquí con limpieza de estilo y se resuelve en la carcajada de la ironía festiva. El cuento, ¿para qué?
La risa, una taumaturgia y no solamente.
La exacerbación de los sentidos, sendero esotérico de salvación. ¿Qué es la salvación en el mundo? La puesta en práctica constante de una estética indomable, como dicen los brujos.
Este trabajo fue hecho en México y es ejemplo de que el cine independiente es capaz de mucho más de lo que estamos habituados a considerar (hasta nuestro círculo de opiniones es una enajenación). El espectador está obligado a sacar al arte de su ensimismamiento, de su ostracismo conveniente (no se acalla a nadie sin motivos bien definidos por la lógica del poder), a odiar el embotamiento que propone con suficiencia chocante la Santa Madre Televisa del melodrama consabido, sobado y sobado y vuelto a sobar, hasta aventurarse en una nueva apreciación amplificada que admita lo inusual, lo enrarecido, lo minúsculo, lo feo, lo tremendo, lo inesperado, lo baladí: todo lo magnífico que crece desde la desventaja.
El individuo, su propia bobina. La intersubjetividad, el verdadero camino social hacia la empatía y la unificación sin la estúpida vaciedad de los discursos de falsa inclusión.
Cerrando el largo paréntesis, la dirección del presente cortometraje (por apelar a ese sistema jerárquico de clasificación que todavía no superamos: la firma da el valor al cuadro) fue trabajo de Luis Ekiro.
La risa, una taumaturgia y no solamente.
La exacerbación de los sentidos, sendero esotérico de salvación. ¿Qué es la salvación en el mundo? La puesta en práctica constante de una estética indomable, como dicen los brujos.
Este trabajo fue hecho en México y es ejemplo de que el cine independiente es capaz de mucho más de lo que estamos habituados a considerar (hasta nuestro círculo de opiniones es una enajenación). El espectador está obligado a sacar al arte de su ensimismamiento, de su ostracismo conveniente (no se acalla a nadie sin motivos bien definidos por la lógica del poder), a odiar el embotamiento que propone con suficiencia chocante la Santa Madre Televisa del melodrama consabido, sobado y sobado y vuelto a sobar, hasta aventurarse en una nueva apreciación amplificada que admita lo inusual, lo enrarecido, lo minúsculo, lo feo, lo tremendo, lo inesperado, lo baladí: todo lo magnífico que crece desde la desventaja.
El individuo, su propia bobina. La intersubjetividad, el verdadero camino social hacia la empatía y la unificación sin la estúpida vaciedad de los discursos de falsa inclusión.
Cerrando el largo paréntesis, la dirección del presente cortometraje (por apelar a ese sistema jerárquico de clasificación que todavía no superamos: la firma da el valor al cuadro) fue trabajo de Luis Ekiro.
Remind Me (2002)
Este es un video musical y un buen ejemplo de microcine.
Un excelente retrato de la sociedad hipermoderna, no más feliz pese a su perfección inducida y fomentada por los grandiosos (los dueños del mundo).
Animación que se compone en su totalidad de gráficas y minucias estadísticas.
¿Qué hay detrás del número infatigable? ¿Qué es esta compulsión infinita por la cuantificación?
¿Qué asombroso poder encierra una vida que es toda comprensible desde las estadísticas del mercado y el cálculo empresarial, que está contemplada previamente por estudios logísticos de efectividad, por los intereses del enriquecimiento corporativo?
El corazón del hombre, hermoso como un mapa urbano, como dijera el otrora rebelde poeta surrealista André Breton en su fabulosa novela Nadja.
Sin embargo, parece que Nos engañaron con la primavera.
La realización y producción de este video estuvo a cargo del estudio de animación francés H5.
Un excelente retrato de la sociedad hipermoderna, no más feliz pese a su perfección inducida y fomentada por los grandiosos (los dueños del mundo).
Animación que se compone en su totalidad de gráficas y minucias estadísticas.
¿Qué hay detrás del número infatigable? ¿Qué es esta compulsión infinita por la cuantificación?
¿Qué asombroso poder encierra una vida que es toda comprensible desde las estadísticas del mercado y el cálculo empresarial, que está contemplada previamente por estudios logísticos de efectividad, por los intereses del enriquecimiento corporativo?
El corazón del hombre, hermoso como un mapa urbano, como dijera el otrora rebelde poeta surrealista André Breton en su fabulosa novela Nadja.
Sin embargo, parece que Nos engañaron con la primavera.
La realización y producción de este video estuvo a cargo del estudio de animación francés H5.
miércoles, 29 de junio de 2011
Dimensions of dialogue (1982)
Este señor es un animador, pero principalmente parece ejercer las labores del lector y del filósofo.
Muchos sujetos pensantes asumen al arte como una investigación de la condición humana. Nada de diversioncitas en su sentido pacato: esto no quiere decir que la diversión no sea parte primordial de los contenidos humanos, de lo profundo y sustancial en el hombre: quiere decir que el arte no es para nada una simpleza con merengue, un moñito, un aleteo del patito hacia el cristal fino y un retrato cariñosito de la sonrisa de la abuela: es una crítica amarga con sentido del humor, una aspiración de lucidez, una mirada emocional y sacudida de los eventos del hombre como problema, violencia, crisis, enajenación.
¿Por qué las personas tienen tantos problemas para comprenderse? La empatía tiene que rebasar muchísimas dificultades para realizarse; el contacto más auténtico parece alejarse como una utopía de difícil comprensión. Incluso quienes han alcanzado la transmisión intersubjetiva tendrán que verse obligados a la renovación y la constante atención: nada permanece fijo, todo es movimiento y toda construcción es susceptible de desaparecer bajo el peso del tedio y la estupidez.
Aquí una opinión cruel del maestro de las sombras, los paraísos desvencijados y los andrajos nacido en la actual República Checa.
El diálogo, el contacto humano, nuevamente, como una ceremonia del odio.
Muchos sujetos pensantes asumen al arte como una investigación de la condición humana. Nada de diversioncitas en su sentido pacato: esto no quiere decir que la diversión no sea parte primordial de los contenidos humanos, de lo profundo y sustancial en el hombre: quiere decir que el arte no es para nada una simpleza con merengue, un moñito, un aleteo del patito hacia el cristal fino y un retrato cariñosito de la sonrisa de la abuela: es una crítica amarga con sentido del humor, una aspiración de lucidez, una mirada emocional y sacudida de los eventos del hombre como problema, violencia, crisis, enajenación.
¿Por qué las personas tienen tantos problemas para comprenderse? La empatía tiene que rebasar muchísimas dificultades para realizarse; el contacto más auténtico parece alejarse como una utopía de difícil comprensión. Incluso quienes han alcanzado la transmisión intersubjetiva tendrán que verse obligados a la renovación y la constante atención: nada permanece fijo, todo es movimiento y toda construcción es susceptible de desaparecer bajo el peso del tedio y la estupidez.
Aquí una opinión cruel del maestro de las sombras, los paraísos desvencijados y los andrajos nacido en la actual República Checa.
El diálogo, el contacto humano, nuevamente, como una ceremonia del odio.
martes, 28 de junio de 2011
The Bead Game (1977)
The bead game es un cortometraje por animación stop-motion que transmite una imagen del caos universal y de la relación cósmica que entreteje de manera sutil la coexistencia de los individuos.
La animación tiene como soporte principal pequeñas cuentas de plástico, abalorios, con los que se dibujan todas las escenas de la pieza.
Vemos un movimiento original entre seres celulares, organismos primitivos, que va derivando en la organización de seres más complejos. El uno destruye al uno, los otros persiguen a los otros, y una vida de violencia y persecución va organizándose. Toda especie necesita de las otras para sobrevivir y algunas devoran a los individuos de otras en el proceso interminable de la química universal.
Una sustancia común (en este caso, más que el átomo, el abalorio), sin embargo, configura todas las cosas. Las mórulas son esas organizaciones sensibles con ramificaciones hacia el exterior que hacen posible que todo, universalmente, esté interconectado. Comunidad que sin embargo no deja de atentar contra sí misma en el crimen de hermano contra hermano: guerras, asesinatos, persecuciones, luchas cuerpo a cuerpo. El mundo, una hostilidad pese a su respiración simultánea.
Al final, un mandala sugiere que la energía vital del cosmos es asunto común. El círculo: metáfora de la totalidad. La destrucción es incepción en el ritmo cíclico de la existencia, y todo pertenece...
Este trabajo fue dirigido por Ishu Patel y es de origen canadiense. Disfrútenlo.
La animación tiene como soporte principal pequeñas cuentas de plástico, abalorios, con los que se dibujan todas las escenas de la pieza.
Vemos un movimiento original entre seres celulares, organismos primitivos, que va derivando en la organización de seres más complejos. El uno destruye al uno, los otros persiguen a los otros, y una vida de violencia y persecución va organizándose. Toda especie necesita de las otras para sobrevivir y algunas devoran a los individuos de otras en el proceso interminable de la química universal.
Una sustancia común (en este caso, más que el átomo, el abalorio), sin embargo, configura todas las cosas. Las mórulas son esas organizaciones sensibles con ramificaciones hacia el exterior que hacen posible que todo, universalmente, esté interconectado. Comunidad que sin embargo no deja de atentar contra sí misma en el crimen de hermano contra hermano: guerras, asesinatos, persecuciones, luchas cuerpo a cuerpo. El mundo, una hostilidad pese a su respiración simultánea.
Al final, un mandala sugiere que la energía vital del cosmos es asunto común. El círculo: metáfora de la totalidad. La destrucción es incepción en el ritmo cíclico de la existencia, y todo pertenece...
Este trabajo fue dirigido por Ishu Patel y es de origen canadiense. Disfrútenlo.
lunes, 27 de junio de 2011
Viva la muerte (1971)
Tampoco conozco la totalidad de este largometraje, sólo la novela de la que parte. Viva la muerte (1971) es un largometraje dirigido y escrito por Fernando Arrabal en arreglo a su novela homónima (o titulada también, de acuerdo a la edición, Baal Babilonia), que narra la visión subjetiva de un niño ante el colapso humano y social que significó la Guerra Civil de 1936 para toda España.
En la novela se organizan a manera de diario abierto los pensamientos y visiones de un niño que acude a la desaparición de su padre republicano en manos de las fuerzas fascistas, a una educación castrense de cepa católica y conservadora cuyo impulso principal proviene de las mujeres de la familia (madre, abuela, tías), y a un despertar confuso de la propia sensibilidad en un entorno compretamente hostil y solitario, de la conciencia individual dotada de recuerdos, nostalgias, sentimientos e ideas imprecisas.
El fragmento que aquí incluyo no es sino la obertura que da inicio al largometraje, a la que considero, sin embargo, de la suficiente elocuencia como para tenerla por un todo artístico, un pequeño ejemplo brutal de microcine. Todos los dibujos de este extracto fueron hechos por el artista pánico francés Roland Topor, un provocador que se instala en el seno de la sociedad burguesa para intentar subvertir sus códigos hipócritas y sus acallamientos de las fuerzas elementales del individuo (el erotismo, la sexualidad, la imaginación), hijo de la tradición de Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud y Jean Genet.
Estos dibujos de muy buena pluma muestran una especie de infierno contemporáneo que hereda la retórica visual de El Bosco y la del Dante. Máquinas para una alambicada tortura, cadáveres en posiciones acrobáticas, mutilados, decapitados, vivos hundidos en muecas de terrible dolor, monstruos voraces con tendencia a la crueldad: paisaje de la desolación generalizada.
El hartazgo, incertidumbre y dolor del individuo ante una sociedad capaz de clamar, sin registrar la contradicción: "¡Viva la muerte!", en defensa de un paquete ideológico estricto y prohibitivo, aterrorizada ante las manifestaciones de una posible transformación radical de las costumbres y las plataformas mentales y emotivas, queda así recreado con elocuencia en estos breves minutos lentos de microcine.
En la novela se organizan a manera de diario abierto los pensamientos y visiones de un niño que acude a la desaparición de su padre republicano en manos de las fuerzas fascistas, a una educación castrense de cepa católica y conservadora cuyo impulso principal proviene de las mujeres de la familia (madre, abuela, tías), y a un despertar confuso de la propia sensibilidad en un entorno compretamente hostil y solitario, de la conciencia individual dotada de recuerdos, nostalgias, sentimientos e ideas imprecisas.
El fragmento que aquí incluyo no es sino la obertura que da inicio al largometraje, a la que considero, sin embargo, de la suficiente elocuencia como para tenerla por un todo artístico, un pequeño ejemplo brutal de microcine. Todos los dibujos de este extracto fueron hechos por el artista pánico francés Roland Topor, un provocador que se instala en el seno de la sociedad burguesa para intentar subvertir sus códigos hipócritas y sus acallamientos de las fuerzas elementales del individuo (el erotismo, la sexualidad, la imaginación), hijo de la tradición de Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud y Jean Genet.
Estos dibujos de muy buena pluma muestran una especie de infierno contemporáneo que hereda la retórica visual de El Bosco y la del Dante. Máquinas para una alambicada tortura, cadáveres en posiciones acrobáticas, mutilados, decapitados, vivos hundidos en muecas de terrible dolor, monstruos voraces con tendencia a la crueldad: paisaje de la desolación generalizada.
El hartazgo, incertidumbre y dolor del individuo ante una sociedad capaz de clamar, sin registrar la contradicción: "¡Viva la muerte!", en defensa de un paquete ideológico estricto y prohibitivo, aterrorizada ante las manifestaciones de una posible transformación radical de las costumbres y las plataformas mentales y emotivas, queda así recreado con elocuencia en estos breves minutos lentos de microcine.
Apocalypse 1900 (1965)
Salvador Elizondo es otro de esos brillantes famosos desconocidos de la cultura nacional y (quizás) hispanoamericana y mundial. Se le reconoce principalmente por su trabajo en la prosa artística, lo que le ha ganado un curul que le permite figurar entre los mejores novelistas mexicanos del siglo XX, sobretodo por su densa y laberíntica Farabeuf, si bien incurrió también en el periodismo, la edición, la fotografía, la traducción literaria, la pintura y el cine.
Hijo de un padre dedicado a la producción cinematográfica, Elizondo incurre por primera vez en el arte del microcine con esta pieza de unos 23 minutos totales de duración, donde figura una imagen de la primera Europa industrial, de aquel París que acudió por primera vez en el mundo al espectáculo de la difusión urbana de la luz eléctrica, al furor de las invenciones inverosímiles que le aseguraban al hombre su participación en una irrefrenable carrera de progreso y desarrollo lineal, siempre hacia más, siempre del primitivismo a la organización utópica y perfecta, llena de comodidades, lujos y realizaciones de la mente y la sensibilidad humanas.
"Se le tomaba el gusto a la velocidad y al peligro. Cada vez más rápido", dice el texto del cortometraje.
Pero cualquier hijo del "progreso" con dos dedos de frente sabe que la promesa de la perfecta urbanización, la utopía de la cosmópolis mundial encierra en sí misma no sólo imágenes de placer sino también graves contradicciones y gestos de alteración del equilibrio entre el hombre y el entorno, entre la conciencia racional y los impulsos imprecisos, las intuiciones, las culturas arraigadas en la creencia de que el mundo se configura conforme a pulsiones mágicas y poderosas, el primitivismo desprovisto de potencias tecnológicas pero a la vez portador de una sabiduría incuestionable en cuanto a la relación armónica con el entorno, etcétera.
¿Qué es la ética para un hombre que aparentemente carece de toda limitación material? La tecnología no sólo produce edificios de fraternidad, sino también pesadillas, y los sueños de la razón, se sabe, engendran monstruos. También la vigilancia, la paranoia, el odio, la persecución, la destrucción, el envilecimiento, la degradación y la tortura participan de la opulencia tecnológica.
"La bujía se apagó...".
Nada es sencillo, nada es transparente en esta mirada oblicua del afectado Salvador Elizondo, quien trabajó como guionista y director de la presente película. Un excelente texto rítmico y a ratos vertiginoso (que rinde homenaje a la poesía y prosa francesas, cargándose con ecos de Baudelaire, Lautréamont, Breton, etcétera), y escogidas imágenes de época hacen de esta pieza de microcine un trabajo sólido de extraña fascinación completamente vigente.
(La tercera parte la pego como link porque no pude hacerlo de forma decente: http://www.youtube.com/watch?v=H_9mWF1jwA0)
Hijo de un padre dedicado a la producción cinematográfica, Elizondo incurre por primera vez en el arte del microcine con esta pieza de unos 23 minutos totales de duración, donde figura una imagen de la primera Europa industrial, de aquel París que acudió por primera vez en el mundo al espectáculo de la difusión urbana de la luz eléctrica, al furor de las invenciones inverosímiles que le aseguraban al hombre su participación en una irrefrenable carrera de progreso y desarrollo lineal, siempre hacia más, siempre del primitivismo a la organización utópica y perfecta, llena de comodidades, lujos y realizaciones de la mente y la sensibilidad humanas.
"Se le tomaba el gusto a la velocidad y al peligro. Cada vez más rápido", dice el texto del cortometraje.
Pero cualquier hijo del "progreso" con dos dedos de frente sabe que la promesa de la perfecta urbanización, la utopía de la cosmópolis mundial encierra en sí misma no sólo imágenes de placer sino también graves contradicciones y gestos de alteración del equilibrio entre el hombre y el entorno, entre la conciencia racional y los impulsos imprecisos, las intuiciones, las culturas arraigadas en la creencia de que el mundo se configura conforme a pulsiones mágicas y poderosas, el primitivismo desprovisto de potencias tecnológicas pero a la vez portador de una sabiduría incuestionable en cuanto a la relación armónica con el entorno, etcétera.
¿Qué es la ética para un hombre que aparentemente carece de toda limitación material? La tecnología no sólo produce edificios de fraternidad, sino también pesadillas, y los sueños de la razón, se sabe, engendran monstruos. También la vigilancia, la paranoia, el odio, la persecución, la destrucción, el envilecimiento, la degradación y la tortura participan de la opulencia tecnológica.
"La bujía se apagó...".
Nada es sencillo, nada es transparente en esta mirada oblicua del afectado Salvador Elizondo, quien trabajó como guionista y director de la presente película. Un excelente texto rítmico y a ratos vertiginoso (que rinde homenaje a la poesía y prosa francesas, cargándose con ecos de Baudelaire, Lautréamont, Breton, etcétera), y escogidas imágenes de época hacen de esta pieza de microcine un trabajo sólido de extraña fascinación completamente vigente.
(La tercera parte la pego como link porque no pude hacerlo de forma decente: http://www.youtube.com/watch?v=H_9mWF1jwA0)
La Jetée (1962)
Un cortometraje que compone su narración basándose en fotografías fijas y una voz en off. Trabajo visual cautivador y envolvente que se complementa con un guión enigmático que diluye a la realidad en una imagen confusa e imprecisa. La mente, esa potencia, ¿qué engaños nos depara? El deseo, la nostalgia, el olvido y la memoria figuran y desfiguran nuestra conciencia. Terror psicológico y atentados contra el individuo. Dominación y poder. Ánimos perturbados. Un ambiente sofocante donde la voluntad es un andrajo y la distopía se enseñorea del mundo.
Chris Marker es el director de esta obra del microcine.
Excelente composición cinematográfica que será el punto de partida para la posterior Twelve monkeys (1995), de Terry Gilliam.
Chris Marker es el director de esta obra del microcine.
Excelente composición cinematográfica que será el punto de partida para la posterior Twelve monkeys (1995), de Terry Gilliam.
One Way Ride (2008)
Una sencilla animación casera de imaginería divertida e inesperada. ¡Cuánta tristeza en este pequeño minuto! La esperanza de encontrar un mundo desconocido y la melancolía de un poste enamorado.
El espectáculo está adentro de la cabeza, en completa metamorfosis y rebotando. Además del Consejo de la Comunicación, Voz de las Empresas, existe el mundo con su música de café viejo a lo Djando Reinhardt y su soledad que se vuelve imaginante.
Un saludo a las simples carcajadas inesperadas.
El espectáculo está adentro de la cabeza, en completa metamorfosis y rebotando. Además del Consejo de la Comunicación, Voz de las Empresas, existe el mundo con su música de café viejo a lo Djando Reinhardt y su soledad que se vuelve imaginante.
Un saludo a las simples carcajadas inesperadas.
Hasta los huesos (2002)
René Castillo es el director de esta pieza mexicana de stop-motion.
Vemos en ella una anécdota que se inserta en el contexto mexicano del tequila, la soldadera, el cempasúchitl, el goce del cuerpo, la algarabía, la solidaridad que cae en bulla, la canción ranchera, la serpiente emplumada, las calaveras que salen cada dos de noviembre a comer su pan, tomar su atole y cantar su canción, una arraigada nostalgi que se matiza a la vez en placer, etcétera.
Somos la era del cliché y de la falsa liberación de la mente y los sentidos; de las tradiciones difuminadas por el escándalo cotidiano y por el espectáculo invasivo del mundo vertiginoso. ¿Quién sabe lo que fuimos verdaderamente? ¿Quién se obstina en saberlo? ¿Quién cede a la seducción de la tecnología y el espectáculo sin oponer contradicción, crisis alguna?
México se diluye y se actualiza, se conserva y se multiplica ante el devenir hiperurbano del mundo de una y otra y otra y todas maneras (desde la distancia que corre de las colonias Polanco y Narvarte, "actualizadas", al universo mágico y confuso de Xochimilco y Tláhuac, por hablar con el centro el corazón de la Ciudad de México exclusivamente) impredecibles, imaginables, criminales, tediosas e inimaginables.
Un ritual de muerte para ciertos ánimos y ciertos ambientes culturales (no se sabe si nacionales: ¿qué claridad nos es permitida al hablar de lo nacional?), sin embargo, puede convertirse en una fiesta de vida como en el principio de los tiempos. En algunas ocasiones, con los elementos adecuados (y esto es una confrontación), un deceso no es una disminución.
Enhorabuena por este trabajo que no es ninguna de estas cosas, probablemente, y sí un conmovedor cuento que cierra todas sus piezas antes de despedirse.
Vemos en ella una anécdota que se inserta en el contexto mexicano del tequila, la soldadera, el cempasúchitl, el goce del cuerpo, la algarabía, la solidaridad que cae en bulla, la canción ranchera, la serpiente emplumada, las calaveras que salen cada dos de noviembre a comer su pan, tomar su atole y cantar su canción, una arraigada nostalgi que se matiza a la vez en placer, etcétera.
Somos la era del cliché y de la falsa liberación de la mente y los sentidos; de las tradiciones difuminadas por el escándalo cotidiano y por el espectáculo invasivo del mundo vertiginoso. ¿Quién sabe lo que fuimos verdaderamente? ¿Quién se obstina en saberlo? ¿Quién cede a la seducción de la tecnología y el espectáculo sin oponer contradicción, crisis alguna?
México se diluye y se actualiza, se conserva y se multiplica ante el devenir hiperurbano del mundo de una y otra y otra y todas maneras (desde la distancia que corre de las colonias Polanco y Narvarte, "actualizadas", al universo mágico y confuso de Xochimilco y Tláhuac, por hablar con el centro el corazón de la Ciudad de México exclusivamente) impredecibles, imaginables, criminales, tediosas e inimaginables.
Un ritual de muerte para ciertos ánimos y ciertos ambientes culturales (no se sabe si nacionales: ¿qué claridad nos es permitida al hablar de lo nacional?), sin embargo, puede convertirse en una fiesta de vida como en el principio de los tiempos. En algunas ocasiones, con los elementos adecuados (y esto es una confrontación), un deceso no es una disminución.
Enhorabuena por este trabajo que no es ninguna de estas cosas, probablemente, y sí un conmovedor cuento que cierra todas sus piezas antes de despedirse.
The old man and the sea (1999)
Alexander Petrov utiliza una técnica de animación muy seductora en esta recreación cinematográfica de la novela breve clásica de Ernest Hemingway, The old man and the sea.
La animación se sustenta toda en acuarelas de una composición artística envidiable por su tenacidad. ¿Un poema visual? ¿Un desafío creativo cuya solidez es su elocuencia?
Visualmente, se trata un trabajo lleno de matices de iluminación y colorido; en lo narrativo, de una pieza tan contundente como el texto mismo.
La copia que encontré en el YouTube tiene el audio en inglés, aunque el original es ruso. La ventaja es que tiene subtítulos en español.
La animación se sustenta toda en acuarelas de una composición artística envidiable por su tenacidad. ¿Un poema visual? ¿Un desafío creativo cuya solidez es su elocuencia?
Visualmente, se trata un trabajo lleno de matices de iluminación y colorido; en lo narrativo, de una pieza tan contundente como el texto mismo.
La copia que encontré en el YouTube tiene el audio en inglés, aunque el original es ruso. La ventaja es que tiene subtítulos en español.
Sound (1967)
Este flautista se hizo famoso al desarrollar una técnica de ejecución que le permitía tocar dos (o más: ¿tres) saxofones al mismo tiempo. Ya saben que a la cultura del espectáculo le encanta la fantochada... ¿Cuánta sinceridad surge del arte de este negro del blues? No lo sabemos.
El siguiente video se muestra como una exquisita expresión de arte visual y sonoro. Su brevedad es su contundencia. Lamentablemente, posteo un extracto muy breve e interrumpido.
El YouTube dice que pertenece a un proyecto más grande en el que participa John Cage, ese compositor contemporáneo que atentó contra el orden de la música culta con fantochadas de otro tipo (composiciones para licuadoras y taladros, pianos arreglados con tornillos y cucharas en las cuerdas, piezas musicales que consisten en un performance con un silencio de 4' 33'' de duración), de cuya sinceridad también lo desconocemos todo. De ser así (y existen otros extractos: no conozco el documento completo), se trataría de una película titulada "Sound", cuyo director es Dick Fontaine y sus protagonistas Rahsaan Roland Kirk, John Cage y David Tudor.
Arte visual, de todas formas; arte musical. Un trabajo de captura y edición delicados. La delicia de imaginar el concierto de los participantes imposibles (el lobo, el niño en hombros y el flautista; el elefante estentóreo y el changuito siempre desde la chacota, cuya imagen musical será siempre el silbido caricaturesco de una flauta de émbolo), en una sustancial entrega a la espontaneidad. Arte combinatoria.
Cine, de cualquier forma.
El siguiente video se muestra como una exquisita expresión de arte visual y sonoro. Su brevedad es su contundencia. Lamentablemente, posteo un extracto muy breve e interrumpido.
El YouTube dice que pertenece a un proyecto más grande en el que participa John Cage, ese compositor contemporáneo que atentó contra el orden de la música culta con fantochadas de otro tipo (composiciones para licuadoras y taladros, pianos arreglados con tornillos y cucharas en las cuerdas, piezas musicales que consisten en un performance con un silencio de 4' 33'' de duración), de cuya sinceridad también lo desconocemos todo. De ser así (y existen otros extractos: no conozco el documento completo), se trataría de una película titulada "Sound", cuyo director es Dick Fontaine y sus protagonistas Rahsaan Roland Kirk, John Cage y David Tudor.
Arte visual, de todas formas; arte musical. Un trabajo de captura y edición delicados. La delicia de imaginar el concierto de los participantes imposibles (el lobo, el niño en hombros y el flautista; el elefante estentóreo y el changuito siempre desde la chacota, cuya imagen musical será siempre el silbido caricaturesco de una flauta de émbolo), en una sustancial entrega a la espontaneidad. Arte combinatoria.
Cine, de cualquier forma.
viernes, 24 de junio de 2011
miércoles, 22 de junio de 2011
Logorama (2009)
Una de las más divertidas, contundentes y amargas críticas que he visto en contra del corporativismo norteamericano y del mercado masivo de extensión mundial.
Aquí se hecha mano de la retórica de las películas de acción tipo Los Ángeles (bikinis, prostitutas, pistolas, autos de lujo, policías metrosexuales, persecuciones escandalosas, un ambiente de frescura perpetua, etcétera) para agredir al sueño gringo de dominación mundial. Los Ángeles devorando a Los Ángeles en una catarsis absoluta.
El espectador de esta película de acción, feliz como siempre ante su altar de televisión, recibe, sin embargo, buenas cachetadas efectivas. No se puede permanecer indiferente ante la franqueza crítica de Logorama: ¿Cuántos logotipos aparecen en pantalla durante los dieciséis minutos que dura el triste film? (¿Maestro Limpio trabajando en un zoológico? Yo pensaba que Maestro Limpio era invención de mentes mexicanas) ¿Con cuántos de ellos está familiarizado el idiota incómodo que los ve?
Esta ciudad de ficción, con todo respeto y si decimos lo menos, se parece a Cuernavaca, queridos hijos míos de Liverpool.
Somos consumidores obedientes de una estética de vanguardia impuesta por el diseño y el macromercado de extensión mundial; nunca antes estuvo el mundo tan unificado. Este film, con la energía y encono que permiten las obras de ficción (ya Max Aub había mandado matar a Francisco Franco en uno de sus cuentos), pues la literatura y el arte enseñan a odiar, figura una distopía encantadora donde ni siquiera el apocalipsis es suficiente para arrasar con la voracidad del capitalismo dominante.
Acostumbrados a la crueldad del mundo hostil, celebramos todos, por inanidad, el espectáculo de explotación con sacudimientos estéticos incontrolables.
El trabajo de dirección estuvo a cargo de Francois Alaux, Hervé de Crécy y Ludovic Houplain.
Aquí se hecha mano de la retórica de las películas de acción tipo Los Ángeles (bikinis, prostitutas, pistolas, autos de lujo, policías metrosexuales, persecuciones escandalosas, un ambiente de frescura perpetua, etcétera) para agredir al sueño gringo de dominación mundial. Los Ángeles devorando a Los Ángeles en una catarsis absoluta.
El espectador de esta película de acción, feliz como siempre ante su altar de televisión, recibe, sin embargo, buenas cachetadas efectivas. No se puede permanecer indiferente ante la franqueza crítica de Logorama: ¿Cuántos logotipos aparecen en pantalla durante los dieciséis minutos que dura el triste film? (¿Maestro Limpio trabajando en un zoológico? Yo pensaba que Maestro Limpio era invención de mentes mexicanas) ¿Con cuántos de ellos está familiarizado el idiota incómodo que los ve?
Esta ciudad de ficción, con todo respeto y si decimos lo menos, se parece a Cuernavaca, queridos hijos míos de Liverpool.
Somos consumidores obedientes de una estética de vanguardia impuesta por el diseño y el macromercado de extensión mundial; nunca antes estuvo el mundo tan unificado. Este film, con la energía y encono que permiten las obras de ficción (ya Max Aub había mandado matar a Francisco Franco en uno de sus cuentos), pues la literatura y el arte enseñan a odiar, figura una distopía encantadora donde ni siquiera el apocalipsis es suficiente para arrasar con la voracidad del capitalismo dominante.
Acostumbrados a la crueldad del mundo hostil, celebramos todos, por inanidad, el espectáculo de explotación con sacudimientos estéticos incontrolables.
El trabajo de dirección estuvo a cargo de Francois Alaux, Hervé de Crécy y Ludovic Houplain.
Boleto 639 (2009)
Un cadáver exquisito en imágenes es como describe su autor a este video.
Parece ser el paseo delirante de un sujeto bien entendido con la Ciudad de México. El gusto por lo popular y cotidiano resalta aquí con claridad, si bien se envuelve en una atmósfera de confusión y bruma. La realidad, un testimonio elocuente en sí mismo.
Un excelente video otra vez de Antonio Cano, a quien sin duda apoyamos, pero no demasiado (nada que temer, pues). Pronto vendrán más y muy diversos autores.
Parece ser el paseo delirante de un sujeto bien entendido con la Ciudad de México. El gusto por lo popular y cotidiano resalta aquí con claridad, si bien se envuelve en una atmósfera de confusión y bruma. La realidad, un testimonio elocuente en sí mismo.
Un excelente video otra vez de Antonio Cano, a quien sin duda apoyamos, pero no demasiado (nada que temer, pues). Pronto vendrán más y muy diversos autores.
Food (1992)
Jan Svankmajer es uno de los más conocidos cineastas entre los cineastas desconocidos, aquellos grandes artistas que por el desdén de la comunicación no han llegado al gran público. Su estética abunda en recursos oscuros y polvosos, vejestorios y objetos desvencijados, altares del desgaste, iluminaciones a medias, andrajos, desperdicios, cosas perdidas y rotas, clavos oxidados, etcétera (todo lo que se ha perdido por el paso implacable del tiempo); y parece dar cuenta de una Europa más bien distante de aquella otra Europa de luz perpetua que dibujan los manuales para turistas y que sigue cantando la canción del progreso y la exuberancia en sus países más "exitosos" (Francia, Inglaterra, Alemania).
Svankmajer proviene de la República Checa y su trabajo, ensombrecido, denso y dueño de una maravillosa dirección de arte (abrumadora por su minuciosidad y su gusto por el grotesco) es una lúcida a la vez que enigmática crítica al espíritu del hombre contemporáneo, a su patológica incapacidad de interrelacionarse subjetivamente y reconocer en el otro un patrimonio universal. La visión mecanicista de la realidad (todo es un engranaje actuando, cada ser es una pieza del aparato, "la máquina me ha vuelto una sombra borrosa") atomiza a los seres humanos, creando más que sociedades remedos de sociedades, simulacros de una organización funcional y efectiva, pues la colaboración y la empatía palidecen ante el narcisismo y el odio institucionalizado.
En esta micropelícula dividida en tres partes (Desayuno, Comida y Cena), Svankmajer hace participar a la ironía con un gusto impecable.
¿Hambre de qué tiene la sociedad actual? ¿Qué hay que comer para comer? ¿Qué se come cuando se come?
Svankmajer proviene de la República Checa y su trabajo, ensombrecido, denso y dueño de una maravillosa dirección de arte (abrumadora por su minuciosidad y su gusto por el grotesco) es una lúcida a la vez que enigmática crítica al espíritu del hombre contemporáneo, a su patológica incapacidad de interrelacionarse subjetivamente y reconocer en el otro un patrimonio universal. La visión mecanicista de la realidad (todo es un engranaje actuando, cada ser es una pieza del aparato, "la máquina me ha vuelto una sombra borrosa") atomiza a los seres humanos, creando más que sociedades remedos de sociedades, simulacros de una organización funcional y efectiva, pues la colaboración y la empatía palidecen ante el narcisismo y el odio institucionalizado.
En esta micropelícula dividida en tres partes (Desayuno, Comida y Cena), Svankmajer hace participar a la ironía con un gusto impecable.
¿Hambre de qué tiene la sociedad actual? ¿Qué hay que comer para comer? ¿Qué se come cuando se come?
Abuela Grillo (2009)
Una hermosa ficción sobre los pueblos nativos de América y la explotación brutal de la sociedad moderna industrializada.
Una mujer que puede hacer llover con el poder de su canto y el abuso de quienes la persiguen para utilizarla, la lucha del pueblo contra la tiranía del régimen y la ambición capitalista son los componentes de la acción.
La risa última de la ficción, gesto de alegría ante un panorama dificultoso.
Este trabajo es una co-producción realizada entre Bolivia y Dinamarca en el año 2009. The Animation Workshop, de Viborg, Dinamarca, es la compañía a cargo del proyecto. Estudiantes del Taller de Animación de La Paz, Bolivia, escribieron el guión basándose en un mito original mientras que Denis Chapon fungió como director de la película.
Una mujer que puede hacer llover con el poder de su canto y el abuso de quienes la persiguen para utilizarla, la lucha del pueblo contra la tiranía del régimen y la ambición capitalista son los componentes de la acción.
La risa última de la ficción, gesto de alegría ante un panorama dificultoso.
Este trabajo es una co-producción realizada entre Bolivia y Dinamarca en el año 2009. The Animation Workshop, de Viborg, Dinamarca, es la compañía a cargo del proyecto. Estudiantes del Taller de Animación de La Paz, Bolivia, escribieron el guión basándose en un mito original mientras que Denis Chapon fungió como director de la película.
Los Agachados (2009)
Ésta es una pequeña animación hecha por un colega, Antonio Cano, (semi) egresado de la ENAP. Lo que se puede hacer hoy en día sin necesidad de acudir a los grandes torrentes económicos, sin permiso ni problema.
La única dificultad a la que se enfrentan estos trabajos es la difusión. Los medios masivos, aparentemente inocentes, moldean el gusto de las mayorías y califican de raro y despreciable lo inesperado e independiente.
Como sea, por aquí baila Tin-Tan en una pulquería del sur de la Ciudad de México.
La única dificultad a la que se enfrentan estos trabajos es la difusión. Los medios masivos, aparentemente inocentes, moldean el gusto de las mayorías y califican de raro y despreciable lo inesperado e independiente.
Como sea, por aquí baila Tin-Tan en una pulquería del sur de la Ciudad de México.
De amigos imaginarios (2007)
Recordemos la infancia y con ella a la vida imaginaria con la que se podía jugar, hablar, caminar, correr o contar secretos. Amigos invisibles que eran uno con nosotros, pero...¿a dónde van esos amigos? ¿ En qué mundo viven cuando nos alejamos?
Esta pequeña animación, realizada por Steve Baker y ganadora del Tropfest 2007, nos cuenta la otra vida de los amigos imaginarios, haciendonos pensar con cierta nostalgia que el tiempo siempre pasa y que no hay nada peor que ser olvidado.
Esta pequeña animación, realizada por Steve Baker y ganadora del Tropfest 2007, nos cuenta la otra vida de los amigos imaginarios, haciendonos pensar con cierta nostalgia que el tiempo siempre pasa y que no hay nada peor que ser olvidado.
"De género humano" (2011)
Con un título como los de los tratados de la antigüedad, jóvenes animadores mexicanos nos ofrecen una lúcida mirada sobre las sexualidades diferentes y la represión de una moral hipócrita.
La sexualidad se reprime, se persigue, se prohibe, se vigila. Su juego ha de ser también una confrontación a los buenos modales coercitivos de la sociedad.
La vigilancia, otra de nuestras herencias. El policía está adentro nuestro.
Como nota hay que señalar que el presente trabajo ganó el Primer lugar en el festival de animación Animasivo 2011.
Un saludo a las desobediencias, nuevamente.
viernes, 17 de junio de 2011
INVITACIONES
Esta nueva época de la macropantalla parece vencer a las solemnidades.
Muy bien por ahí, al parecer. El mundo dinámico, ¿nos salvará? No lo sabemos. Sabemos que los trompos son anacrónicos y cosa de risa para ciertos focos urbanos (lo suficientemente autorreferenciales como para olvidarse de que existe el resto del mundo. Pero así hemos sido siempre y nos encanta).
Este mundo dinámico, que queda mejor representado por el Internet como un espacio vital y en constante movimiento que por el apego (obediencia) a la estética del BlackBerry y el iPad
(¡oh, Dios mío, has evolucionado!),
nos invita por sí mismo a actuar, en tanto que múltiple río de las transformaciones.
Esta nueva época de la macropantalla parece burlarse de las solemnidades.
El blog MicroCine1984 quiere hacer patente esa burla a la solemnidad, a la rectitud que defienden a ultranza los "intelectuales" de ForoTV (la nueva barra de opinión y pensamiento crítico -cof, cof, me voy a ahogar- de la Santa Madre Televisa, reina y dueña del mundo junto con su cónyuge el PRI) y Gustavo Adolfo Infante, el periodista convencido de que enfermos mentales y marranos pueblan nuestro piramidal y acaramelado mundo.
QUIERE SER UN SITIO PARA LAS MAMARRACHADAS / UN ESPACIO PARA LAS PERIFERIAS
Sucede que hoy por hoy, y éste es el Biodomo Internet actuando, la sociedad tiene al alcance de su mano al lenguaje, el arte y las comunicaciones.
Para las incursiones en los testimonios del pasado no hace falta esperar a la Televisión (mayúscula a quien mayúsucla merece). Está el YouTube. El individuo tiene más o menos la capacidad de organizar su propio catálogo en el universo de la cultura.
Esta libertad reclama aprovechamiento, crítica, la toma de una postura más o menos valiente.
Nada sucede sólo porque sí.
Este Internet nos demanda dialogar. En el río de las transformaciones también podríamos estúpidamente perdernos, detrás del enamoramiento por la Batalla de Edgar contra la Caída.
MicroCine 1984 es un espacio para dialogar acerca de aquellos cortometrajes que vuelan en la red y que se producen sin contar necesariamente con el respaldo de las grandes corporaciones comerciales de la cinematografía que todos conocemos.
Muchos de ellos son auténticos ejemplos de excelencia artística. No sólo lo que sale en el Canal 22, lo becado, lo celebrado en entrevistas underground existe. También existe el simple residente en la tierra con el ánimo avispado y una cámara de video.
Paladeamos la posibilidad de que surja un artista sin corporativos, una comunicación enteramente pirata.
"No quisiera pasar por el filtro de Sony Music, queridos dueños del mundo... No se enfaden conmigo, espero me comprendan."
Les juro que Lady Gaga no es la revolución artística. Es la renovada fantochada del mercado que embebe conciencias. Una fantochada superproducida y cautivadora, sin duda. Todavía no es, sin embargo, la realización del espíritu crítico en los individuos, civiles e inciviles, de aquellos trotantes que, como dijo Neruda, se mueven dentro y fuera de la ley.
U2 congregó 92 mil de seguidores en el Estadio Azteca. Noventa y dos mil cabrones mirando una macropantalla casi excitados, con las distintas distancias que les permiten sus fieles pagos a OCESA, otra de las diosas de Nuestro Panteón más reciente.
¿En serio cuatro australianos son mejores, más capaces que 92 mil personas? Tenemos un problema de balance.
Nuestra sociedad del espectáculo es la que nos lleva a pensar como lógicas estas desproporciones. Nadie, en todos los años de procesos educativos o existencia en la tierra, nos ha enseñado a pensar en nuestra capacidad intrínseca de crear y producir. Producir arte, por supuesto. Esto sale del criterio del mercado, que no quiere multiplicados artistas altoparlantes, sino silenciosos y mutilados seguidores idólatras de una imagen que concentra todos los intereses, todas las opiniones, todas las reseñas y los seguimientos periodísticos.
BUENAS NOCHES, MIS QUERIDOS IDÓLATRAS, HOY LES TRAIGO A LA VENTA UN NUEVO MACRONEGOCIO... SÓLO TIENEN QUE OBEDECER.
Ningún artista, por promovido que esté, supera la capacidad subjetiva del individuo para constituirse.
Quién sabe si pagar sea necesario para flotar en los ritmos del pensamiento, la comunicación y el placer estético.
Por supuesto que es necesaria la alimentación, que contempla asumir el lenguaje de los demás, de los grandes y los pequeños, pues en grandes y pequeños se manifiesta el mundo. No creo indispensable la adoración, el apego al catálogo del poder, la obediencia de gusto que emprendemos cada día al decir: Stevie Wonder, ¡el más grande negro de todos los tiempos!
No se me malinterprete: no quiero juzgar el talento musical de Stevie Wonder. Sólo sostengo que barajar de memoria y con cierta solvencia los datos del mainstream, paladear con suficiencia la oferta del macromercado, llenar un iPod con 100 artistas diferentes venidos de todo el mundo ("¡amo el World Music, wey!") NO ES PARTICIPAR DE LA CULTURA.
LA CULTURA ESTÁ EN LA CALLE Y SE RÍE.
Se encuera, se droga, se desvive, se acuesta. Se pincha. Se intercambia en la suciedad y se codea con los sucios. UNA PERSONALIDAD SINUOSA AL ALCANCE DE LAS DECISIONES.
No existen las superpersonas. Existen los persistentes, los tenaces. Las risas contestatarias que insisten en sí mismas hasta ganar el respeto del público.
PERO EL PÚBLICO NECESITA SER TAMBIÉN UN GENERADOR,
UNA BOBINA CON OPINIONES AUTÓNOMAS.
No sólo de digerir vive el hombre.
No queremos una cultura piramidal. No queremos participar del halagador sistema de las adoraciones ("Algún día seremos como Ricky Martin, wey!").
La más alta aspiración del mundo: Cambiar de bando. Pasar de conducir el carro a gozarlo en el asiento trasero.
Crecí pobre y me muero rico, hábil como soy, talentoso como soy. Hay que agacharse para que en el futuro puedas pisotear a tus servidores, mi rey. Es la ley de la vida, es el regalo que te tengo prometido, tu paraíso que un buen día te caerá de sorpresota, guap@.
Queremos una cultura sin elogios. Puros músicos parlantes.
Organizaciones de comunicación horizontales.
Los usuarios, protagonistas.
MicroCine 1984, un espacio social.
De más está decir que nos encantaría recibir sus aportaciones, primero porque entre todos sabemos todo, segundo porque no semos (ni queremos ser) especialistas.
Cine, cine y cine. Es muchísimo y magnífico lo que se produce realmente y no llega jamás a las reseñas del periódico de gran circulación, de la TeVe. Participemos del Biodomo con propuestas y espíritu crítico.
El ocio está perfecto, pero todavía no es suficiente.
La Real Academia Española considera una conducta reprimible el uso del @ como indicador de género en sustantivos.
Nosotros pensamos que es al gusto del cliente.
Muy bien por ahí, al parecer. El mundo dinámico, ¿nos salvará? No lo sabemos. Sabemos que los trompos son anacrónicos y cosa de risa para ciertos focos urbanos (lo suficientemente autorreferenciales como para olvidarse de que existe el resto del mundo. Pero así hemos sido siempre y nos encanta).
Este mundo dinámico, que queda mejor representado por el Internet como un espacio vital y en constante movimiento que por el apego (obediencia) a la estética del BlackBerry y el iPad
(¡oh, Dios mío, has evolucionado!),
nos invita por sí mismo a actuar, en tanto que múltiple río de las transformaciones.
Esta nueva época de la macropantalla parece burlarse de las solemnidades.
El blog MicroCine1984 quiere hacer patente esa burla a la solemnidad, a la rectitud que defienden a ultranza los "intelectuales" de ForoTV (la nueva barra de opinión y pensamiento crítico -cof, cof, me voy a ahogar- de la Santa Madre Televisa, reina y dueña del mundo junto con su cónyuge el PRI) y Gustavo Adolfo Infante, el periodista convencido de que enfermos mentales y marranos pueblan nuestro piramidal y acaramelado mundo.
QUIERE SER UN SITIO PARA LAS MAMARRACHADAS / UN ESPACIO PARA LAS PERIFERIAS
Sucede que hoy por hoy, y éste es el Biodomo Internet actuando, la sociedad tiene al alcance de su mano al lenguaje, el arte y las comunicaciones.
Para las incursiones en los testimonios del pasado no hace falta esperar a la Televisión (mayúscula a quien mayúsucla merece). Está el YouTube. El individuo tiene más o menos la capacidad de organizar su propio catálogo en el universo de la cultura.
Esta libertad reclama aprovechamiento, crítica, la toma de una postura más o menos valiente.
Nada sucede sólo porque sí.
Este Internet nos demanda dialogar. En el río de las transformaciones también podríamos estúpidamente perdernos, detrás del enamoramiento por la Batalla de Edgar contra la Caída.
MicroCine 1984 es un espacio para dialogar acerca de aquellos cortometrajes que vuelan en la red y que se producen sin contar necesariamente con el respaldo de las grandes corporaciones comerciales de la cinematografía que todos conocemos.
Muchos de ellos son auténticos ejemplos de excelencia artística. No sólo lo que sale en el Canal 22, lo becado, lo celebrado en entrevistas underground existe. También existe el simple residente en la tierra con el ánimo avispado y una cámara de video.
Paladeamos la posibilidad de que surja un artista sin corporativos, una comunicación enteramente pirata.
"No quisiera pasar por el filtro de Sony Music, queridos dueños del mundo... No se enfaden conmigo, espero me comprendan."
Les juro que Lady Gaga no es la revolución artística. Es la renovada fantochada del mercado que embebe conciencias. Una fantochada superproducida y cautivadora, sin duda. Todavía no es, sin embargo, la realización del espíritu crítico en los individuos, civiles e inciviles, de aquellos trotantes que, como dijo Neruda, se mueven dentro y fuera de la ley.
U2 congregó 92 mil de seguidores en el Estadio Azteca. Noventa y dos mil cabrones mirando una macropantalla casi excitados, con las distintas distancias que les permiten sus fieles pagos a OCESA, otra de las diosas de Nuestro Panteón más reciente.
¿En serio cuatro australianos son mejores, más capaces que 92 mil personas? Tenemos un problema de balance.
Nuestra sociedad del espectáculo es la que nos lleva a pensar como lógicas estas desproporciones. Nadie, en todos los años de procesos educativos o existencia en la tierra, nos ha enseñado a pensar en nuestra capacidad intrínseca de crear y producir. Producir arte, por supuesto. Esto sale del criterio del mercado, que no quiere multiplicados artistas altoparlantes, sino silenciosos y mutilados seguidores idólatras de una imagen que concentra todos los intereses, todas las opiniones, todas las reseñas y los seguimientos periodísticos.
BUENAS NOCHES, MIS QUERIDOS IDÓLATRAS, HOY LES TRAIGO A LA VENTA UN NUEVO MACRONEGOCIO... SÓLO TIENEN QUE OBEDECER.
Ningún artista, por promovido que esté, supera la capacidad subjetiva del individuo para constituirse.
Quién sabe si pagar sea necesario para flotar en los ritmos del pensamiento, la comunicación y el placer estético.
Por supuesto que es necesaria la alimentación, que contempla asumir el lenguaje de los demás, de los grandes y los pequeños, pues en grandes y pequeños se manifiesta el mundo. No creo indispensable la adoración, el apego al catálogo del poder, la obediencia de gusto que emprendemos cada día al decir: Stevie Wonder, ¡el más grande negro de todos los tiempos!
No se me malinterprete: no quiero juzgar el talento musical de Stevie Wonder. Sólo sostengo que barajar de memoria y con cierta solvencia los datos del mainstream, paladear con suficiencia la oferta del macromercado, llenar un iPod con 100 artistas diferentes venidos de todo el mundo ("¡amo el World Music, wey!") NO ES PARTICIPAR DE LA CULTURA.
LA CULTURA ESTÁ EN LA CALLE Y SE RÍE.
Se encuera, se droga, se desvive, se acuesta. Se pincha. Se intercambia en la suciedad y se codea con los sucios. UNA PERSONALIDAD SINUOSA AL ALCANCE DE LAS DECISIONES.
No existen las superpersonas. Existen los persistentes, los tenaces. Las risas contestatarias que insisten en sí mismas hasta ganar el respeto del público.
PERO EL PÚBLICO NECESITA SER TAMBIÉN UN GENERADOR,
UNA BOBINA CON OPINIONES AUTÓNOMAS.
No sólo de digerir vive el hombre.
No queremos una cultura piramidal. No queremos participar del halagador sistema de las adoraciones ("Algún día seremos como Ricky Martin, wey!").
La más alta aspiración del mundo: Cambiar de bando. Pasar de conducir el carro a gozarlo en el asiento trasero.
Crecí pobre y me muero rico, hábil como soy, talentoso como soy. Hay que agacharse para que en el futuro puedas pisotear a tus servidores, mi rey. Es la ley de la vida, es el regalo que te tengo prometido, tu paraíso que un buen día te caerá de sorpresota, guap@.
Queremos una cultura sin elogios. Puros músicos parlantes.
Organizaciones de comunicación horizontales.
Los usuarios, protagonistas.
MicroCine 1984, un espacio social.
De más está decir que nos encantaría recibir sus aportaciones, primero porque entre todos sabemos todo, segundo porque no semos (ni queremos ser) especialistas.
Cine, cine y cine. Es muchísimo y magnífico lo que se produce realmente y no llega jamás a las reseñas del periódico de gran circulación, de la TeVe. Participemos del Biodomo con propuestas y espíritu crítico.
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